Plus que quelques jours avant l’ouverture de la Biennale d’art contemporain de Montréal!

Avis aux intéressés, le colloque de la Biennale aura lieu ce samedi 2 mai et dimanche 3 mai, le détail des interventions est d’ailleurs déjà en ligne. La journée du samedi sera consacrée à la présentation de plates-formes de création, notamment celle du documentaire «RIP: A Remix Manifesto». Le dimanche fera place à plusieurs artistes de la Biennale, mais aussi à des interventions d’Antoine Moreau, instigateur de la licence Art Libre, et de Jean-Paul Fourmentraux. L’animation de ces deux jours de colloque sera assurée par Olivier Charbonneau, la personne derrière le blog CultureLibre.ca.

Le colloque de la Biennale se déroulera à l’Agora Hydro-Québec du Coeur des Sciences de l’UQAM et l’entrée gratuite. Au plaisir de vous y voir!

Un petit mot pour parler de la première rencontre du projet MontréalOuvert, qui se déroulait hier à la Station C. Cette initiative est rapidement décrite sur le wiki du projet:

«Culture, éducation, médias, affaires, politique. L’esprit et les pratiques libres ont bien dépassé les domaines de la technologie et des logiciels. Mais comment? Où? Quelles sont nos histoires? Nos stratégies? Nos défis? Cet automne, nous aimerions organiser un évènement Open «Montreal» Ouvert.»

Bien que je n’ai pas pu rester que jusqu’à 19h00 (fin de session oblige…), pas mal de problématiques bien intéressantes avaient déjà été soulevées. Des billets commencent déjà à circuler sur la blogosphère au sujet de l’événement:

• YannickGelinas.com
• CultureLibre.ca

Pour les fans du service de microblogging libre identi.ca, on peut également se joindre au groupe du projet!

J’écrivais il y a quelques semaines un billet sur l’Usine à paysage, un projet artistique aux airs d’entreprise mis sur pied par Audrey Beauchemin. Un barbecue avait lieu aujourd’hui dans la cours du café Touski pour souligner son bon déroulement. J’ai rédigé pour l’occasion un petit compte-rendu de mon expérience à titre d’ouvrier-spécialiste de «la plage».

Paysage participatif

Mon texte précédent s’attardait aux aspects théoriques de L’usine à paysage. J’y soulignais entre autres la capacité de dépayser qu’a ce projet artistico-entrepreneurial. Ayant maintenant oeuvré à titre de spécialiste de «la plage» lors de l’ouverture de l’usine, le 5 mai dernier, il me paraît judicieux de faire un retour sur l’expérience vécue.

Tout d’abord, je dois dire que j’ai beaucoup apprécié l’expérience proposée par cette usine nouveau genre. Le côté ludique de ce projet rejoint un éventail de gens très large, ce qui n’est malheureusement pas toujours la norme dans le milieu de l’art contemporain. Il me semble également que la réussite de cette expérience est largement attribuable à sa directrice. En effet, en relisant la présentation du projet, on constate qu’Audrey (1) maîtrise parfaitement les moments clés du processus de création qu’elle propose à ses ouvriers. En me remettant en contexte, je réalise qu’elle savait exactement quelles allaient être nos réactions. Bien que simple, le geste à réaliser a, dans un premier temps, occupé toute mon attention. La tension s’est ensuite relâchée graduellement, me permettant ainsi de prendre conscience de la performance à laquelle je prenais part. Le point culminant a été atteint lorsque des discussions ont débuté entre les travailleurs. Étrangement, il ne s’agissait pas seulement d’entretenir des conversations polies; au contraire, le geste créateur est arrivé à créer une proximité où une véritable relation a pu s’installer entre les participants.

Il me semble également intéressant de préciser certains détails des coulisses de L’usine à paysage. En effet, plusieurs étapes ont précédé la performance artistique en tant que telle. Avant de prendre part à cet événement, je croyais recevoir un encadrement particulièrement rigoureux de la part de la directice. Je m’attendais à devoir jouer le jeu de la hiérarchie propre au monde manufacturier. Or, c’est tout le contraire qui s’est produit ! Une fois que tous les éléments du paysage de base (ligne d’horizon, montagne, lac, etc.) ont été attribués, chaque nouveau spécialiste s’est mis à la recherche d’un outil de travail et d’une couleur convenant à sa tâche. Chaque ouvrier ainsi armé, nous sommes passés à la création du modèle. Il s’agit d’une étape cruciale, c’est à ce moment que l’on voit pour la première fois l’oeuvre qui sera ensuite reproduite à des dizaines d’exemplaires. Bien que la composition de cette image soit déjà connue, ce n’est qu’une fois ce modèle réalisé que l’on peut juger de la qualité esthétique de l’oeuvre: des contrastes de couleurs ou de la qualité des traits par exemple.

Dans notre cas, le premier modèle n’a pas été concluant, la couleur du cadre ne contrastant pas suffisamment avec les autres éléments de l’image. Or, bien qu’Audrey ait assumé son statut de contremaître, ce problème pictural a été résolu par consensus, chacun donnant son avis sur la couleur à utiliser. Mentionnons au passage que la présence d’artistes au sein du groupe a également permis d’approfondir les discussions autour de cette problématique. Les ouvriers/spécialistes ont donc pris en charge non seulement la partie du paysage qu’ils devaient exécuter, mais aussi le résultat obtenu collectivement! Pour revenir à certaines notions managériales, on peut donc conclure que L’usine à paysage fait le pari de la participation. Bien qu’il s’agisse en apparence d’une chaîne de montage, nous sommes en fait bien loin de l’usine d’épingles (2) impersonnelle décrite par le père de l’économie moderne Adam Smith.

L’usine à paysage atteint donc les objectifs fondamentaux qu’elle s’est fixés. D’une part, elle crée un pôle artistique dans le quartier où elle s’installe, permettant du même coup de mêler des univers qui se côtoient rarement. D’autre part, elle permet à chacun de s’exprimer sur l’oeuvre à réaliser collectivement, créant ainsi une occasion de médiation culturelle extrêmement efficace. Par ailleurs, la nature de L’usine à paysage demeure pour moi particulièrement complexe. Nous trouvons-nous devant un projet entrepreneurial auquel on aurait appliqué une démarche artistique; ou d’une intervention artistique s’appuyant sur un modèle entrepreneurial ? Bref, cette usine doit-elle être considérée comme une oeuvre artistique ou une entreprise

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(1) Crédit photo: Hélène Brown

(2) L’image provient de l’Encyclopédie ou Dictionnaire raisonné des sciences, des arts et des métiers de Diderot et d’Alembert.

Aujourd’hui se déroulait l’ouverture officielle de l’Usine à Paysage, une intervention artistico-entrepreneuriale mise en place dans le quartier Ville-Marie, à Montréal. La directrice de l’Usine m’a offert d’écrire quelques mots au sujet de son projet…

Dépaysement

Sur son blog, Audrey Beauchemin débute la présentation de l’Usine à Paysage par un souhait: « Un jour j’aimerais aller visiter une usine à paysage, une vraie. Il paraît que ça existe en Chine ». Ce clin d’oeil aux photographies d’Edward Burtynsky laisse songeur. Il est vrai que les scènes industrielles que cet artiste a capturées en Chine donnent le vertige: usines et travailleurs à perte de vue, uniformisés par une standardisation implacable. Ces images fascinent et interrogent: est-ce que tout ce qui nous entoure, jusqu’au paysage, est maintenant manufacturé ? Dans ce monde usiné, comment est-il encore possible d’être dépaysé ?

Aussi absurde que cela puisse paraître, la question se pose aujourd’hui de manière urgente. Trente ans après l’invention du World Wide Web et du « village global », la planète est maintenant complètement mondialisée. Il est aujourd’hui possible de se rafraîchir avec la même boisson gazeuse qu’à la maison dans les endroits les plus reculés du Népal. Le dépaysement serait-il en voie d’extinction ? Étrangement, c’est justement là où on s’y attend le moins que l’on perd ses repères: l’Usine à Paysage dépayse. Par on ne sait trop quel moyen, cette intervention arrive à faire sortir à la fois l’art des musées et les travailleurs des usines. Paradoxalement, elle fait en quelque sorte entrer l’art dans les usines et les travailleurs au musée… joli périple ! Ce projet démontre donc que le véritable dépaysement se trouve parfois plus près que l’on pourrait penser. En regroupant des artistes émergents et professionnels à la population du quartier où elle s’installe, l’Usine à Paysage rend possible le dépaysement.

D’un point de vue de gestion, l’approche de l’Usine à Paysage est également fort particulière. En appliquant les théories classiques du management à la performance artistique, l’« artiste-leader-entrepreneur » approfondit sa métaphore industrielle. Basé sur la division du travail développée par Adam Smith, le geste créateur est réduit à l’essentiel. Bien que cette réinterprétation du modèle en fasse ressortir toute l’absurdité, l’action artistique en elle-même n’en est pas moins dépourvue de sens. En voyant les ouvriers à l’oeuvre, on se questionne sur leur rôle, leur tâche spécialisée. N’y a-t-il pas un danger de perdre l’individualité du créateur en simplifiant ainsi les tâches à l’extrême ?

Pour tenter de résoudre ce questionnement, d’autres expérimentations pourraient être envisagées. En effet, quels résultats seraient obtenus si l’on passait de l’organisation scientifique du travail, actuellement utilisée, à une vision plus humaniste ? Prenons par exemple la théorie X et Y du psychologue américain Douglas McGregor. Selon ce dernier, le gestionnaire peut adopter deux visions face à ses employés. L’article de l’encyclopédie Wikipédia affirme ceci :

• Théorie X : l’employé n’aime pas travailler. Il est improductif s’il n’est pas surveillé, ne travaille que sous la contrainte.
• Théorie Y : l’employé aime travailler. Il a besoin d’autonomie, et sa créativité doit être suscitée.

Quels résultats seraient obtenus par l’Usine à Paysage si elle appliquait cette théorie Y, où les ouvriers se prennent eux-mêmes en charge ? La « chaîne » se gérerait-elle d’elle-même ? Les interactions entre les ouvriers seraient-elles différentes ? Les oeuvres produites en seraient-elles modifiées ?

En tissant des liens entre des univers qui ne se côtoient qu’à de très rares occasions, l’Usine à Paysage pose donc plusieurs questions, tant au niveau artistique que managérial. Il est certain que le dépaysement qu’elle propose en inspirera plusieurs.

Il y a quelques semaines, j’assistais à deux conférences données par le ministre de la Culture du Brésil, Gilberto Gil (j’en avais alors glissé un mot dans deux billets précédents). Depuis ce temps, le projet des Pontos de Cultura dont parlait Gil me revient régulièrement en tête: retrouve-t-on ce type d’initiative au Québec ?

Samedi dernier, le Festival de films sur les droits de la personne de Montréal présentait le documentaire «Sans réserve», de Patrick Pellegrino. Il s’agit d’un magnifique film sur un projet de village autogéré, porté par la communauté algonquine de Kitcisakik. Ce film était suivi par plusieurs courts métrages réalisés au sein du projet Wapikoni mobile, une initiative de la cinéaste Manon Barbeau.

Munie d’équipements vidéo, cette caravane parcourt les réserves amérindiennes du Québec et permet aux jeunes autochtones de réaliser de petits films sur leur réalité. Bien que j’ai déjà entendu parler de ce projet (ainsi que de son prédécesseur Vidéo Paradiso), je n’avais pas encore réalisé les points communs avec les Pontos de Cultura brésiliens. En effet, il s’agit dans les deux cas de donner des outils de création à des communautés souvent sans voix, afin qu’elles puissent prendre publiquement la parole.

Par contre, les moyens techniques me semblent beaucoup plus lourds en ce qui concerne la Wapikoni mobile. Alors que les Pontos de Cultura utilisent des logiciels libres pour le traitement multimédia, celle-ci est équipée de logiciels professionnels très dispendieux. Une fois la caravane passée, les jeunes n’ont donc plus accès aux outils qu’ils ont appris à maîtriser. Ils perdent alors leurs moyens de création et se retrouvent de nouveau sans ressource. On peut donc se demander s’il vaudrait mieux qu’ils travaillent avec des logiciels libres et accessibles plutôt qu’avec de la quincaillerie professionnelle; ou encore si c’est le prix à payer pour obtenir des productions de qualité…

Cette question me semble particulièrement intéressante. En effet, l’utilisation du mot «libre» provient en fait d’une simple traduction du terme anglais «free», adopté par Richard Stallman au début des années 80 pour son système d’exploitation GNU. Pour tenter de briser l’ambiguïté du mot «free», pouvant à la fois signifier «libre» et «gratuit» en anglais, Eric S. Raymond adopte plus tard la dénomination «open source».

Bien que la langue française n’entretienne pas cette même ambiguïté, la dénomination «ouverte» convient probablement davantage que «libre». À ce sujet, un billet fort intéressant sur le blogue d’Aisyk’s se penche sur les raisons motivant cette transition. De mon côté, le terme «ouvert» me semble traverser davantage les différentes étapes du cycle de production de l’oeuvre, qu’il s’agisse du processus de création, de l’oeuvre en elle-même ou de la licence sous laquelle celle-ci est rendue publique.

Pour tenter de réfléchir davantage au concept d’oeuvre ouverte dans sa globalité, il faudrait donc arriver à définir certains paramètres qui devraient dépasser la seule licence sous laquelle celle-ci est rendue publique. Dans son livre «La ville censure», le sociologue Alain Médam propose quelques critères en réfléchissant à la notion de ville. Étonnement, ces pistes de réflexions pourraient peut-être aussi s’appliquer à une production artistique:

• elle n’a pas de créateur unique;
• elle n’a ni début, ni fin;
• elle n’a pas de frontière, ni de centre définitif (puisqu’elle est en perpétuelle construction).

Par ailleurs, Umberto Eco a également publié un livre intitulé «l’oeuvre ouverte». Datant des années 70, il pourrait être particulièrement intéressant de voir comment sa réflexion se structurait avant l’avènement d’Internet!